«Ферма» Жоана Миро

«Ферма» Жоана Миро — не самая типичная для него картина. Хотя он вообще весь какой-то не типичный. С трудом поддается классификации. То ли он испанский художник Хоан Миро, то ли каталонский — Жоан Миро (он сам склонялся, скорее, к последнему). Его записывают и в фовисты, и в кубисты, и в сюрреалисты, и в абстракционисты (причем в пользу каждого предположения находится подтверждение в виде картины, обладающей всеми положенными признаками декларируемого стиля). А «Ферма»? К какому течению современной живописи она относится? Явно ни к одному из вышеперечисленных. Поэтому её объявили «магическим реализмом».

Написана она в 1921-22 годах. Миро жаловался, что на неё ушло девять месяцев работы — по 7-8 часов в день (размер холста — 140х122 см.). Картина (как и многие другие его картины начала 20-х.) действительно магическая — разглядывать её можно бесконечно; обилие деталей, существующих совершенно обособленно и вместе с тем неразрывно связанных между собой, завораживает. Каждый предмет — отдельная история, целый рассказ… почти в духе Хемингуэя. Кстати, как раз Хемингуэй эту картину и купил (в 1987 году его четвертая жена — точнее, вдова — передала полотно Национальной Галерее Искусств в Вашингтоне).

Это удивительно, но на картине изображена реально существующая ферма — усадьба в Монт-роч-дель-Камп, принадлежащая родителям Миро. Явно бросается в глаза желание художника тщательно инвентаризировать имущество фермы средствами живописи. Этому тоже есть объяснение. Дело в том, что кроме обучения в Школе изящных искусств Ла-Лонха, Миро получил специальность бухгалтера в Коммерческой школе в Барселоне.

Вообще эта подробная инвентаризация, раскладывание по полочкам является отчасти и ключом к его последующим картинам. Только если в начале 20-х Миро рассортировывал по холсту только отдельные предметы, то к их (20-х) середине его дотошной бухгалтерской натуре этого стало мало и он взялся за разбирание на составные части самих предметов; а спустя некоторое время — страшно сказать! — и людей.

Но на «Ферме» ещё отсутствуют разбросанные в беспорядке на живорасписуемой плоскости части тела, поэтому картина на редкость успокаивающая и умиротворяющая. Хоть и немного странная.

Учелло. «Святой Георгий с драконом»

Учелло. "Святой Георгий с драконом"Паоло ди Доно, прозванный Учелло («Птичкой»), однажды (где-то около 1470 года) нарисовал нечто странное. Картина «Святой Георгий с драконом» вдохновила множество интерпретаторов, которые объяснили её с точки зрения всех популярных направлений в психологии и психоанализе. Их пыл разжигал и образ жизни художника, который существовал затворником и — в те редкие дни, когда появлялся на улицах Флоренции — убегал сломя голову, увидев монаха. Последнее, правда, имело вполне рациональное объяснение. Настоятель некоего монастыря, в котором Учелло работал, из экономии кормил живописца одним хлебом с творогом (художникам — помимо заработка — полагались тогда харчи от заказчика). В конце концов возмущенный Учелло просто перестал ходить на работу. И стал (на всякий случай) старательно избегать абсолютно всех монахов.

Рациональное объяснение имело и его затворничество: он был увлечен наукой перспективы и очень много работал — как изучая оптику, геометрию и математику, так и разрабатывая приемы изображения перспективы в рисунке и живописи. Вазари писал: «Паоло беспрерывно находился в погоне за самыми трудными вещами в искусстве и довел таким образом до совершенства способ перспективного построения зданий по планам и по разрезам […] В итоге он столького достиг в преодолении этих трудностей, что нашел путь, способ и правила, как расставлять фигуры на плоскости, на которой они стоят, и как они, постепенно удаляясь, должны пропорционально укорачиваться и уменьшаться». Сложно недооценить труд нелюдимого художника; хотя — как и многие другие первопроходцы и первооткрыватели — он не получил за него при жизни ни почета, ни богатства.

У картины «Святой Георгий с драконом» (увы психоаналитикам от искусствоведения) тоже, как ни странно есть рациональное объяснение. Это раннехристианская легенда о Святом Георгии. Начинается она с привычного нам принесения в жертву дракону невинной девицы (с тем отличием, что в данном случае язычники приносят в жертву девицу-христианку) и появлении благородного рыцаря-спасителя. А вот дальше события развиваются для нас несколько непривычно (и привычно для современников Учелло): Святой Георгий дракона не убивает, а покоряет (способ покорения и обуздания дракона разнится от версии к версии — это может быть молитва, прикосновение освященным предметом, посохом святого, произнесение имени Господнего…). После чего спасенная девица (в сопровождении спасителя) снимает пояс, делает из него нечто вроде поводка и ведет на нем дракона к стенам родного города. Где Святой Георгий ставит ультиматум: или город принимает христианство, или он (Георгий Победоносец) науськивает дракона на языческое гнездо, ибо не жалко. Горожане, конечно, соглашаются окреститься прямо здесь и сейчас; девица счастливо воссоединяется с исправившимися родными; Георгий отправляется принимать венец мученика; о судьбе же дракона легенда умалчивает.

На ранних иконах победа Святого Георгия над драконом изображалась в виде процессии: Георгий Победоносец (пешком или на коне, чаще на коне), а за ним — девица с драконом на поводке. Но  — вот беда! — зрителям не давал покоя вопрос что же стало с драконом. Общественность посовещалась и пришла к выводу, что зло должно быть уничтожено: дракона убили. Если была возможность создать последовательность изображений, своеобразный «комикс», иллюстрирующий историю (например в «клеймах» — маленьких картинках, окружающих основное изображение на иконе) — проблем не возникало: предпоследняя картинка изображала знакомую нам процессию, а последняя — убийство реликтового животного. Но такая возможность была не всегда — часто требовалось показать всю историю лишь в одном изображении. И византийские иконописцы (а вслед за ними болгарские, сербские, древнерусские и проч.) начали размещать все ключевые события в одной картине. Таким образом начали сосуществовать бок-о-бок девица со страшным драконом, мирно прогуливающимся у неё на поводке и рыцарь, этого же дракона убивающий. Всё остальное сделала история: падение Константинополя — приток беженцев-византийцев в Италию — влияние византийского искусства на живопись раннего итальянского Возрождения (включая экспорт сюжетов). Так что Учелло просто взял традиционную византийскую икону и перерисовал её по своему, не особо вникая в смысл изображенного. Его больше интересовала перспектива.

«Афинская школа» Рафаэля. Кто изображен на фреске?

В конце 1508 года римский папа Юлий II поручает молодому художнику Рафаэлю Санти из Урбино расписать одно из помещений Ватиканского дворца, ставшее известным под названием Станца делла Синьятура. Почему такую значительную работу доверили 25-летнему художнику, обойдя мастеров более опытных и знаменитых? Сложно сказать. Вероятно, благодаря покровительству Браманте, папского архитектора. Того самого, который спроектировал и начал строить собор Св. Петра. Правда, чтобы после смерти придворного зодчего его закончить, пришлось выгонять ещё трех архитекторов (включая Рафаэля) и подряжать Микеланджело, который (страшно ругаясь) всё-таки воплотил великий замысел в реальность. Хоть и со значительными коррективами. Но об этом как-то в другой раз.

А пока о росписи Станца делла Синьятура. Рисовать, как мы уже знаем, должен был Рафаэль. А вот для разработки темы и идеи росписи — была призвана специальная комиссия из теологов, философов и прочих экспертов. Гиганты мысли постановили: на двух глухих (почти) стенах прославить философию («Афинская школа») и теологию («Диспут»); на стенах с дверями — искусства («Парнас») и юриспруденцию с прочими социально-полезными навыками («Добродетели и закон»).

Но комиссия не досмотрела. Нет, профессиональные навыки у Рафаэля были на высоте. Просто у него ещё было чувство юмора. И идеи. Ладно, художник никому не признался, что в «Диспуте» нарисовал отлученного от церкви Савонаролу. Как то проскочило. А вот когда Юлий II пришел осматривать начатые «Добродетели и закон»… он увидел дряхлого бородатого старца на папском троне, подозрительно похожего на него самого.
— Неужели я выгляжу таким дряхлым?! — грозно вопросил иерарх.
Ответом ему было молчание — ибо всем было прекрасно известно, что неверный ответ очень даже может быть наказан увесистым папским посохом. Самые сообразительные придворные начали выталкивать пред грозные очи Рафаэля: сам, мол, нарисовал — сам пусть и отдувается.
— Ваше Святейшество! — сообщил художник — Это образ Вашего предшественника, Григория IX. А так как его мудрость и его великие деяния подобны Вашим — то ничуть не удивительно, что он и обликом своим немного напоминает Вас!
Судя по тому, что Юлий II после этого передал Рафаэлю заказ на роспись остальных залов дворца (прогнав предварительно уже приступивших к работе живописцев) — объяснением он остался доволен.

«Я всё могу объяснить!» — очень хорошая фраза… если действительно можешь. Хотя — если припомнить бурную, запутанную и многогранную личную жизнь художника — у Рафаэля была большая практика все-объяснений.

Так или иначе, но «Афинскую школу» он рисовал, обладая определённой свободой действий. Он нарисовал много архитектуры в античном духе (так, как тогда это понимали). Говорят, что изображенная на фреске постройка очень похожа на проект собора Св. Петра авторства Браманте. Рафаэль очень любил архитектуру и хотел быть архитектором; у него, правда, не очень получалось — он не мог понять, почему такая красивая, тонкая, ионическая колонна не может удержать пышную, массивную, торжественную римскую арку (его патрон, Браманте, надо заметить, тоже не очень хорошо это понимал). Но, тем не менее, он рисовал очень красивые здания. С прекрасными декоративными деталями — и в «Афинской школе» он не забыл установить статуи Аполлона и Афины, покровительствовавших мудрости, философии, наукам и искусствам.

И в этой пышной декорации он разместил множество спорящих, дискутирующих, читающих, пишущих и слушающих философов.

Начнем с центральных фигур. Это Платон и Аристотель. Платон показывает пальцем на небо: мол, идея! Аристотель же простер руку над землёй — нет, материя, природа, изучение, классификация!  (Говорят, что от Платона произошли гуманитарии, а от Аристотеля — технари). Помните, я упоминал об Рафаэлевом чувстве юмора? Так вот: у Платона — голова Леонардо да Винчи, а у Аристотеля — голова флорентийского архитектора Джулиано да Сангалло, считавшегося лучшим зодчим Италии (что, по всей вероятности, не очень понравилось Браманте, враждовавшему с Сангалло и перехватившего у него — благодаря интриге — заказ на собор Св. Петра). Чуть ниже — в голубом хитоне — полулежит на лестнице Диоген. Перед Диогеном, опираясь на мраморный куб, что-то пишет многомудрый Гераклит… с головой Микеланджело. Возможно, автор хотел намекнуть на то, что воззрения Микеланджело столь же неясны и темны, как и философия Гераклита. Лично мне интересно, почему Рафаэль обрядил Буонаротти в «варварские» сапоги вместо классических и приличных сандалий. Хотя, говорят, Микеланджело остался своим портретом доволен. Даже похвалил его. Вслух. «Хорошо, что урбинцу хватило ума не поместить меня в толпу этих болтунов» — проворчал он. Поверьте, в устах Микеланджело это было самой настоящей похвалой. За синьором Буонаротти стоит Парменид. Рядом с Парменидом — таинственная фигура в белом. Существуют следующие версии: сам Рафаэль (боюсь, что даже для него два автопортрета на одной картине — это слишком); Франческо делла Ровере, аристократ и кондотьер (об особой дружбе его с Рафаэлем ничего не известно, мало того, есть намеки на то, что у Рафаэля были к нему серьезные кровные претензии); Маргарита Лути, Форнарина (Булочница), любовница Рафаэля — думаю этот вариант самый вероятный. Хотя интересно, что художник сказал по этому поводу папе Юлию? Ближе к нам, с пером и книгой, сидит Пифагор; подглядывают у него из-за спины Боэций (по другим версиям Анаксимандр или Эмпедокл) и… араб Аверроэс (он же ибн-Рушд). Дальше, слева — обосновалась исключительно теплая компания. Это Эпикур в венке из плюща (каковой венок был символом Вакха) и Зенон Китийский, стоик. Прекрасное соседство — веселый жизнелюб и мрачноватый (хоть и язвительно-остроумный) аскет. Дальше (если двигаться по часовой стрелке) заметная группка из шести человек. Главный в ней — Сократ, настойчиво что-то объясняющий внимательным слушателям. Среди слушателей должны находиться: Тимон, Ксенофонт, Антисвен и Алкивиад (которого можно узнать по богатому шлему). Обратите внимание, что адепты этической философии, «лирики», группируются на стороне Платона; передний план занят фигурами «неформатными» — или теми кто в равной степени занимался и этикой, и физикой; или те, кто занимался вообще непонятно чем — как Диоген или Гераклит. А справа — группируются «физики». На переднем плане — Евклид, измеряющий что-то циркулем перед компанией молодежи. Евклида изображает Браманте. Рядом с ним стоят два странных персонажа — в короне и с глобусом (Птолемей) и с небесной сферой (Зороастр, как утверждают). Зороастр затесался в компанию физиков благодаря тому, что считался родоначальником вавилонских магов; каковые, в свою очередь, стояли у истоков астрологии и астрономии. Над Зороастром в гордом одиночестве возвышается Плотин (с головой Донателло). С нашей, современной, точки зрения компания физиков ему не очень-то подходит; но, учитывая влияние неоплатонизма на Св. Августина… в общем, теология в те времена — это вам не философия, а тоже точная наука :).

И, наконец-то, самое главное. Взгляните на колонну справа, рядом с Птолемеем. Видите между ним и колонной личность в белом плаще и шапке? А из за неё выглядывает молодой человек в тёмном берете? Так вот: это Рафаэль. Говорят, что он скромно изобразил себя в виде… Апеллеса.

Бирюзовая маска Кецалькоатля

Бирюзовая маска КецалькоатляЭто — бирюзовая маска Кецалькоатля, сделанная ацтеками где-то 600 лет назад, в XV веке. Слово Кецалькоатль означает приблизительно «змея, покрытая зелёными перьями»; и это имя одного из главных богов ацтеков (и других народов Центральной Америки). Кецалькоатль появился у ольмеков где-то за 5-8 веков до рождения Христа; сперва он был богом восточного ветра (приносившего ольмекам дождь с Атлантического океана) и героем, давшим индейцам маис (судя по рассказам просто стащив зёрна кукурузы у муравьёв). Затем он долго странствовал по нынешней Мексике, стал богом-творцом мира и человека, покровителем жречества, правителем тольтеков; также он принял многие другие имена и ипостаси, о которых мы упоминать не будем. Для вашего же добра. Не верите? Тогда попытайтесь произнести Тлауискальпантекутли (так зовут Кецалькоатля в роли божества планеты Венера). В конце концов его перемещения во времени и пространстве приводят его к ацтекам, где коварный Тескатлипока сокрушает Кецалькоатлеву карьеру и божественный авторитет, заставив высокопоставленного бога пьянствовать, блудодеить с единокровной сестрой и предаваться прочим излишествам. Протрезвев и взглянув на рейтинги, Кецалькоатль сильно расстроился и отправился в добровольное изгнание за море, на восток. Но обещал вернуться. Отголосок этого обещания слышен в трагической и восхитительной истории похода испанских конкистадоров во главе с Кортесом на Теночтитлан.

Но вернёмся к маске: она вырезана из дерева и инкрустирована кусочками бирюзы, зубы же сделаны из кусочков ракушек. Лицо Кецалькоатля образуют две переплетённые змеи — это не сразу бросается в глаза из-за того, что головы змей отломались и потерялись. Но — если присмотреться — легко можно различить змеиные хвосты с погремушками: они как раз формируют брови; вырезанные из дерева погремушки хорошо различимы.

Эта маска была частью ритуального жреческого облачения; такие костюмы описывают испанские хронисты — маска дополнялась особым костюмом и головным убором из перьев птицы кецаля (такой священный головной убор, кстати, был послан Моктесумой императору Карлу V в подарок — сейчас она в Вене). Кроме того жрецы красили свою кожу в чёрный цвет. Впечатляющее, наверное, было зрелище — особенно ночью при свете факелов, во время жертвоприношения. Такого, как описал один из членов отряда Кортеса: «Мы видели, как они надели султаны из перьев на головы многих из них и затем заставили их танцевать со своего рода веерами перед лицом Уицилопочтли. Затем, когда они закончили танец, жрецы уложили их на спину на узкие камни для жертвоприношений и, вскрыв им грудь, вынули их бьющиеся сердца, которые предложили стоявшим перед ними идолам. Затем они ногами столкнули тела вниз по ступеням, и индейские мясники, ждавшие внизу, отрезали им руки и ноги и содрали кожу с их лиц, которую позже выделали как кожу для перчаток, вместе с бородами, и сохранили для своих хмельных праздников. Затем они ели их мясо с соусом из перца и томатов»…

Гуда, грешная женщина…

Гуда, грешная женщина...Считается, что в Средневековье не принято было подписывать плоды трудов своих. Но человеческое естество всегда возьмёт верх над правилами — и древние художники очень легко изобретали способы сохранить своё имя в веках. Одним из таких способов было размещение себя в инициале. В смысле, себя полностью. Включая подпись и изображение.
Благодаря этой невинной хитрости мы можем познакомиться с первой женщиной в европейской истории, нарисовавшей автопортрет. По крайней мере, из ныне известных. Размещён он в сборнике проповедей конца XII века. Художница изобразила себя в скромной — но не монашеской — одежде; и подписалась: «Гуда, грешная женщина, написала и иллюстрировала эту книгу». В подтверждение этих слов она делает рукой клятвенный жест; пальцы руки преувеличенно длинны — она, наверное, очень гордилась тем, что её ловкие и артистичные пальцы могут выполнять такую тонкую и престижную работу, как переписывание и оформление книг. И, надо сказать, гордость была очень даже законна — специалистов, способных и написать текст, и нарисовать в книге буквицы и миниатюры — было не так уж много. Писец, миниатюрист (иллюминатор) и рисовальщик инициалов (рубрикатор) — чаще всего были отдельными видами деятельности.
Изготовление рукописных книг в средние века было целой индустрией. И основную роль в ней выполняли отнюдь не привычные для нашего воображения монахи, сидящие в монастырских скрипториях. Переписывались книги при школах, университетах, дворах правителей. Большая же часть книг изготовлялась городскими ремесленниками, в частных мастерских. В крупных городах известны мастерские-скриптории, в которых работало по несколько десятков — а то и сотен — человек. Изготовление книг можно считать передовым капиталистическим производством средних веков. Над одним томом последовательно работало несколько человек. Сначала писцы (оставляя свободное место для инициалов и рисунков) писали тростниковым или гусиным пером текст; затем рубрикатор рисовал буквицы; после него за дело брались иллюминаторы — одни рисовали миниатюры, другие — бордюры и орнаменты; после них книга попадала к переплётчикам… Целый конвейер. И значительную часть работников, трудившихся в скрипториях, составляли женщины — по разным оценкам (которые, в силу понятных причин, не могут быть точными и бесспорными) женщинами было написано от четверти до почти двух третей рукописных книг. В любом случае, неоспоримым фактом являются многочисленные договоры на изготовление книг, подписанные исполнительницами-женщинами (в том числе и владелицами скрипториев). И заказывали им книги не только правители, магистраты и университеты, но и… мужские монастыри.
Так что на самом деле Гуда, грешная женщина, совершенно не была исключением, каким-то курьезом средневекового мира; она была скорее правилом — ведь девятьсот лет назад женщины выполняли не меньше (если не больше) социальных и экономических функций, чем сейчас. Просто в мире, где под сомнение ставилось её принадлежность к тому же биологическому виду, что и мужчина, человек — эту деятельность старались не замечать.